jwstudio手表：价值与美学并存的艺术品,文艺美学基本理论·劳动产品与艺术产品 _生活百科

1、文艺美学基本理论·劳动产品与艺术产品文艺美学基本理论·劳动产品与艺术产品
人通过自身的创造而创造出了手和其它劳动工具。劳动工具是产品，借劳动工具创造出来的产品也是产品。凡是人所创造出来的一切成品都是劳动产品。人正是在劳动过程中把人的劳动物化到产品当中，也就是说这些人所创造出来的产品都是人的劳动的对象化，而凡是人的劳动对象化的产品都是按照美的规律创造出来的。艺术产品的创造也是一种劳动创造。这种生产劳动要创造出艺术品。从艺术品之中也能看出劳动创造者的基本特点。在很大程度上，从劳动产品和艺术产品身上都能够看到生产者的特点，它们的共同性是：何者都是人的劳动的对象化。它们之间有联系也有区别。首先，人的劳动产品的创造为艺术产品的创造准备了条件。人成为社会动物后，第一的需要不是去创造艺术，而是要创造人的实际生活中需要的产品，否则他们将无法生存。因此，劳动产品的创造先于艺术产品的创造，它不仅为艺术品的创造准备了物质生活内容，而且使艺术产品的创造成为可能。
其次，按照美的规律进行创造，使一部分劳动产品成为真正的艺术品。所有的劳动产品都是按美的规律进行创造的，不仅求有用，而且求美观，如进一步精益求精地加以追求，就使一部分劳动产品能够成为真正的艺术品。如古代陶器，生产后进一步加工，刻画了许多精美的图案，成了有价值的艺术品。要指出的还有一部分的产品并没有变成艺术品，这须要我们在产品当中区别出哪些是具有艺术性质的产品。
第三，劳动产品主要体现为科学的实用价值，艺术产品主要体现为审美价值。任何物质生产的产品都是为了实用，使用这个产品，在有用的情况下还要求更加轻便、结实，具有多种性能。为了实现这一点就离不开科学。这种产品主要是科学性和实用性的结合。艺术产品创造的主要目的不在于科学性和实用性。齐白石画虾的目的不在于做佳肴，而是在于欣赏，是要从他所画的形象之中看到一种非常有生机的和非常活泼的生命，来满足人们的审美需要。
第四，一般的劳动产品也体现一定的审美意识，但是它体现审美意识与艺术品不同。一般的劳动产品以物品形式物化审美意识，这种审美意识是依附于这个产品本身的。艺术产品的物化形式与前者不同。艺术生产却要以观念形态所用的物化手段(如语言、线条、符号、动作等)创造出主客观完美统一的作品。虽然两者都表现审美意识，但它们的物化的手段不同，前者是物品本身，尽管也存在物化的观念形态的问题，但不是主要的。后者是通过观念式的物质手段把艺术形象肯定下来。
第五，劳动产品和艺术产品的具体规格不同。一般劳动产品从实用出发，要求定型化和标准化。而艺术产品的创作既不能批量生产，也不能标准化和定型化，要求要有个性特征，具有独创性，互相不能重复，艺术品一旦程式化、标准化、定型化，就会失去艺术特征。

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2、试对一件艺术品作艺术学与美学不同的分析在现代世界中，严肃的艺术与通俗艺术甚至是日常生活本身的界线正在逐渐消失。在传统社会中，艺术与实用品、高雅艺术与通俗艺术之间有着本质差别，它们由艺术本身深奥的哲学内涵、高级的审美趣味以及不同寻常的艺术技巧共同构成。但到了艺术的现代主义时期，严肃的艺术与通俗艺术、甚至是日常生活本身的区别越来越不明显。如在现代艺术展览中，有的陈列品就是一堆沙子上面摆放一些花生壳，有的则是把一些废铜烂铁焊在一起。一位著名的艺术家把自己的小便壶拿上展厅也就成为了艺术品；一位音乐家“4分33秒”的沉默也可以成为一种演奏；一位画家把自身涂上油彩、沾满羽毛站在展览厅也就成为人体艺术品。有时没有艺术作品甚至也可以开办艺术展，欧洲新达达派代表人物伊夫·克莱因，1958年就开了一个“空虚”展览会，其内容是全涂成白色的画廊，门口设立警卫而器具却搬得精光。结果是成千上万的参观者前来预展，人多得几乎引发骚乱。更有甚者，毁灭艺术也可以成为一种艺术，1986年11月中国的“厦门达达”就举行了著名的“焚烧作品展在厦门举行”艺术活动，艺术家们在一个用白粉画的圆圈内，将所有的参展艺术品付之一炬。圆圈外则立着一块牌子，上面写到“达达展在此结束” 。
这些十分奇特的现代艺术现象，很难从传统艺术的定义与语境来分析或归纳。一方面，并非所有的通俗艺术与日常行为都可以成为艺术，另一方面，当然许多现代艺术家的实验艺术又的确产生了传统艺术那种惊人的艺术效果。所以区别严肃的艺术与通俗艺术，最好的做法是抛开传统的艺术分类原则，从其是否具有审美内涵来进行。
从艺术感觉的角度看，通俗艺术只与人的生理感觉发生联系，并作为人的本能欲望的表现媒介而存在，如病态、邋遢、怪异、粗劣、黏腻，以及公开的或者隐蔽的性感的“仿克艺术”(Funk art) 。而严肃的艺术则超越了这种感觉与欲望的生理性，成为一种人的审美本质力量的感性证明。如当我们面对一幅人体油画时，基本上可以有两种感觉，一种是直接以生理欲望投射对象的生理性人体结构发生联系；另一种则是通过审美变形超越直接的感官冲动，从中体验到一种对生命本身的爱与欣赏。这可以达达主义艺术家杜桑著名的《泉》和古典主义画家安格尔的同名画作相比较，在杜桑的《泉》中，艺术作品是一个签了名的尿斗，给人的感觉是一种生理上的不适感，但在安格尔的《泉》中，给人的感觉是一种美的升华。
从审美对象的角度看，严肃的艺术都是对于对象世界创造性活动所产生的东西，它是一种克服了对象自然本性的能够唤起主体自由感与走向感觉解放的审美幻象，这种具有审美外观的严肃的艺术，当然不同于只有一种实用性价值的生活用品。也可以说，虽然严肃的艺术与通俗艺术都是人类劳动、制作的产品，但是产品本身的结构却大不一样。严肃的艺术是一种生命有机体，它具有和生命本身同样的尊严与地位。而通俗艺术则是一种机械装置，它是对于人的某种实用目的的机械再现，服务于人的生理感觉的工具。这里可以艺术杰作与二流作品比较来说明。艺术杰作都是审美变形的产物，它是对于现实对象的加工改造之产品，正如鲁道夫·阿恩海姆指出：“诗人并非不加区别地引用具体细节，而是强调那些对他说来能使主题获得艺术想象力的个别特征。……由于它充满活力的具象性，因而把杰作与二流作品粗陋的枯燥无味特性相区别。二流作品不足以超越它所呈现的特定状态，而杰作则涵盖了从感官知觉到经过提炼的思想这一人类经验的整个范围。”(胡经之等主编：《西方二十世纪文论选》第一卷，中国社会科学出版社1989年版，第246页。)在这个意义上，一件艺术品，它与自身的物质材料与实用目的距离越远，也就愈具备一种真正艺术品的内涵。如在中国曾经出现过一个非常有名的行为艺术，在这个行为艺术中表演者要杀死一头牛，掏出内脏，然后赤身在牛肚中呆上10分钟——这样的行为不管它要表达的艺术理念有多深刻，它以刺激人的生理感官为目的的实用性特征是抹杀不掉的，这与严肃的艺术构成了极大的不同。
从艺术消费的角度看，艺术本质作为一种审美幻象形态，它与一般的生活消费品有着很大的不同。一般生活品都是一次性的，不管它多么经久耐用，它总是不断地丧失其固有的使用价值，直到它彻底被耗尽。而艺术作品则与此不同，它是那种有生命的、具有永恒魅力的东西。从这个意义上讲，严肃的艺术与通俗艺术的区别在于，后者本质上更近似于一种生活消费品。然而通俗艺术作为一种精神消费品，它对于严肃的艺术与人类精神的健康发展却产生了许多负面影响。严肃的艺术的消费对象是审美幻象本身，对于审美幻象消费得越多，人的审美本质力量也就获得更高程度的满足，是丰富与提高人性的重要精神实践活动。而通俗艺术则往往通过反文化、反理性的方式来消费人性本身，在这个过程中，人们对于纯粹娱乐性的通俗艺术消费得越多，人自身的文化异化也就更加严重，人性也就越加苍白而人生的价值内涵也就愈加贫乏。因此对于通俗艺术的危害性予以批判性审视，也就成为当代艺术文化批评一个重要课题。
从价值形态角度讲，严肃的艺术与通俗艺术的区别在于，前者是一种具有永恒艺术魅力因而可以反复消费的东西；而后者则是一种一次性的“用过就扔”的东西。这也是因为对于严肃的艺术的消费活动，同样是存在着一种审美变形过程，它的每一次变形，实际上也都具有一种再生产的增值意义。也可以说，严肃的艺术的消费结构具有两个层次，它们就如同读者反映批评理论所说的艺术魅力恰恰是在消费活动中才产生和得到证明。而通俗艺术作为一种商业文化用品，它只有一种本文(Art-effect)结构。例如当代的各种流行文化，著名的波普艺术家汉密尔顿在1957年这样表达通俗艺术的品质：“通俗、短暂、消费得起、风趣、性感、噱头、迷人。还必须是廉价的，能大批量生产的，年轻的而又能挣大钱的。”([英]爱德华·卢西·史密斯著：《1945年以后的现代视觉艺术》，陈麦译，上海人民美术出版社1988年版，第114页。)
“永恒的魅力”根源于消费活动中积极的审美想象力，由于这种想象力只同对象的形式结构发生联系，所以它不会因为功利性内容而丧失消费欲望与热情。而“用过就扔”的消费方式，则是消费主体通过对象的功利结构来消费主体自身过剩的生理性欲望，所以一旦这种主体的生理欲望得到宣泄，艺术作品本身所具有的“消费”价值也势必荡然无存。以1998年轰动世界的电影《泰坦尼克号》为例，它正是依靠凭借雄厚财力和高技术工具所重建的视觉真实，以及巨额广告宣传来激起观众的充满功利性的消费欲望的。而一旦这种根源于“物”的“人的感觉”与“欲望”得到宣泄与满足，它也就必然成为一种类似吃剩的饭菜一样，所以其来也迅速，其去也仓促，所以要不了多久，这条曾经不可一世地在世界各地登陆的巨船，也就被彻底遗弃在记忆的海底。这也正是人们与传统的经典艺术相对应，把当代艺术称为快餐艺术的根源，它只能暂时满足人们的生理性饥渴，而不可能满足人们真正的精神需要。正如阿尔多诺对于当代大众文化的批评：“文化工业通过不断地向消费者许愿来欺骗消费者。它不断地改变享乐的活动和装潢，但这种许诺并没有得到实际的兑现，仅仅是让顾客画饼充饥而已。”([德]阿多尔诺著：《启蒙的辩证法》英文版，伦敦1979年，第120页。)
以工业复制与现代传播技术为物质手段的大众文化艺术，在20世纪60年代以来正在以不可遏制的势头成为一种全球化的文化景观，各种文化形象、照片、摄影、电视、电影，以及它们像商品生产一样的复制和大规模的生产，使当今世界已被各种文化幻象所包围，它们遮蔽了现实事物与艺术作品本身的真实性，导致了社会和世界的非真实化，并且在当代社会中形成一个强大的物化机制，深刻影响了人类的生活方式与审美方式。对大众艺术文化必须要有清醒的认识，它作为20世纪人们解决现代技术文明弊端的精神方式，虽然可以帮助当代人摆脱人性分裂而进行的席勒式的斗争；但由于它本身一方面以生理宣泄破坏了主体的艺术感觉，另一方面它借助现代传播技术又成为一种控制人自身精神生产的工具，所以它决不是真正的艺术以及人类的心灵解放方式。
大众文化艺术对于人类自身的负面影响已经被许多西方学者注意到了，就大众文化艺术对于主体艺术感觉的影响角度说，它表现在艺术消费的新闻化与商业化，它否定了人类个体在审美活动中的主体性，这时艺术消费也就必然成为一种剥夺人自身、异化人自身的工具。正如托夫勒所指出的：“在这些大规模的传播媒介工具中，从报纸到广播、电影、电视，我们再一次发现了工场基本原则的体现。所有这些传播媒介工具，打上了完全相同印记的信息，传遍了千百万人的脑际，正如同工场铸造相同规格的产品，销售给千百万个家庭去使用一样。大规模制造出来的标准化的‘事实’ ，标准化的副本，大规模制造出来的成品，通过几个集中的‘思想工场’加工，源源不断地流向千百万消费者。没有这样广泛强大的情报信息通信系统，工业文明不可能具有今天这样的规模和发挥如此有效的功能。”([美]托夫勒著：《第三次浪潮》，朱志炎译，三联书店1988年版，第88页。)而且一旦这种精神工场取代了艺术生产与消费的个体性与审美创造性，它必然会按照某种观念形态来制造人本身，正如白瑞德所说：“机器不再只能制作物质产品，它也能制造心智。数以百万计的人靠着千篇一律的大众艺术——这是危害最大的抽象形式——为生，于是他们把握任何人类实在的能力，都在迅速消失。如果在寂寞大众当中，偶然有张面孔闪烁着人性的光辉，它会很快又因为电视荧光屏的催眠而消失。”([美]白瑞德著：《非理性的人》，彭镜禧译，黑龙江教育出版社1988年版，第271页。)
借助现代化的传播技术，当代大众文化已经控制了艺术文化生产与消费本身，所以如何回应当代这种文化艺术活动所带来的挑战，提升通俗艺术的文化品位与审美内涵，也就成为当代艺术发展中的一个首要问题。
对于一件艺术品的欣赏和分析，可以从艺术学和美学的角度来进行。
从艺术学的角度来看，可以对该艺术品的作者、创作背景、艺术形式、艺术语言、艺术技巧、艺术主题、艺术形象等方面进行分析和研究。例如，可以探究该艺术品的作者的艺术风格和个人特点，了解该艺术品创作的历史背景和文化背景，分析该艺术品所采用的艺术形式和艺术语言，如色彩、线条、构图、比例、空间等，探究该艺术品所表达的艺术主题和艺术形象，如人物、情节、情感等。
从美学的角度来看，可以对该艺术品的美学特征、审美价值、审美感受等方面进行分析和评价。例如，可以探究该艺术品的美学特征，如形式美、意境美、表现美等，评价该艺术品的审美价值，如创新性、表现力、感染力等，探讨该艺术品所引发的审美感受和情感体验，如愉悦感、震撼感、共鸣感等。
需要注意的是，艺术学和美学并不是互相独立的两个领域，而是相互补充的。在对一件艺术品进行分析时，可以从艺术学和美学的角度进行综合分析，全面地把握该艺术品的形式和内涵。

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3、创意的美学价值是什么?47、从艺术存在方式而言，艺术品所具有的三个基本特征是什么？
答：①他律性—即艺术品为接受主体而存在，又同时为创作主体和接受主体所决定和制约；②形式符号性—创作主体的审美经验和意象创作要传达给接受主体，需把它外化为特定的形式符号，凝定在一定的艺术品中，接受主体借助于这些符号来接受和创造；③开放性—艺术品作为中介，要向艺术家开放，才能有艺术品的产生，同时向接受者开放，才能使之成为现实的审美对象。
48、简述艺术的存在方式。
答：①艺术首先存在于艺术的意象世界中；②艺术只能存在于主体的审美心理活动和审美经验中；③艺术存在于从艺术创造—艺术品—艺术接受的动态流程中。
49、怎样理解艺术存在于艺术创造—艺术品—艺术接受三个环节组成的动态流程中？
答：①这三个环节的动态流程是一个整体系统，缺一不可；②艺术家的艺术创造过程是第一个也是首要的一环节，没有艺术家的创造就不可能有艺术；③艺术家如果不把意象表达出来，物态化和物化为艺术品，就无法达到交流、传播的目的；④艺术接受也非常重要，接受者带有自己的期待视界来欣赏艺术品，并在艺术品提供的意象框架基础上进行重建与在创造，发展丰富艺术的意象世界。
50、为什么说艺术创造的核心是意象的生成？
答：意象是艺术存在的核心，艺术首先存在于意象世界及其流程中。艺术活动的开端以意象的产生为标志。在艺术的流程中，贯穿始终并处于核心地位的是艺术创造阶段艺术家意象的生成。所以说艺术创造的核心是意象的生成。
51、艺术敏感的含义及其特征是什么？
答：艺术敏感主要是指主体感受生活、欣赏艺术、体验和孕育意象的敏锐性和悟性，天才的敏感是指这种感受体验的细致、快捷、丰富和深刻。
特征：可以归纳为朦胧性、突发性和能动性。它是朦胧的意象的雏形，还未形成完整的意象；它是突发的，似乎从天而降，所以难以把握；它不只是主体对客体的被动感受能力，更是主体对客体的赋予能力，艺术家凭借先在的文化心理结构能动地感受对象。
52、说明想象力在意象生成中的作用。
答：①在想象中，由艺术敏感所激发的艺术意象逐渐得以发展、鲜明和形成；②艺术想象力不仅仅是唤醒和引发丰富的形象、感受，更重要的是将其融会和整合；③想象力在生产意象全过程中始终是最重要、最有决定性的艺术创造力。
53、简述艺术接受的核心、本质与过程。
答：①艺术接受的核心是意象的生成，即重建；②艺术接受，本质上仍是一个意象生成的过程。接受者所欣赏的仍然是艺术意象，通过意象欣赏，接受者才能获得审美愉悦和艺术体味；③艺术接受的过程是对艺术品的符号形式靠自身主体意识的读解过程。
54、简述艺术技巧的审美价值。
答：①艺术技巧是通向艺术本体的路，艺术家在技巧的操作中体验美、创造美，在此意义上艺术技巧本身就是艺术，就是美。这种美体现在道与技的得心应手的和谐中，体现在主体与艺术合一的状态中；②艺术技巧的操作在质料上留下的痕迹就是艺术的形式，艺术技巧所展示的美就凝聚于形式的符号中。艺术欣赏者可以通过艺术形式体会到其中蕴含的技巧的美，因此艺术技巧具有独立的审美价值。
55、艺术接受过程中，欣赏者是如何实现意象的重建的？
答：①艺术接受的核心是意象的生成，即重建；②艺术接受中的意象是要靠再生、重建的，因为艺术家心中的意象不能直接为接受者感知，艺术作品本身也并非直接的艺术意象，只是艺术意象的符号化和物态化；③接受者意象的生成的契机来源于艺术品，接受者在解读形式符号过程中，根据符号的暗示而由自身的主体意识重建意象。
56、简述艺术分类的主要原则。
答：①从艺术与现实的关系分，把艺术分为主观的与客观的、再现的与表现的；②从艺术与欣赏者的关系分，把艺术分为视觉艺术与听觉艺术；③从作品自身的存在方式分，把艺术分为动态艺术与静态艺术、时间艺术与空间艺术。
57、简述建筑艺术的审美特征。
答：①建筑材料的审美性质；②建筑的形式结构；③建筑与周围环境的关系对其艺术上的价值有着直接的影响。
58、简述雕塑艺术的审美特征。
答：①雕塑对物质材料的选择有严格的要求；②内容与形式之间的统一；③作为一种空间艺术，雕塑仍然要受到这类艺术一般特征的影响，无法动态展示一个完整事件。
59、简述绘画艺术的审美特征。
答：①欣赏绘画的内在意蕴；②掌握绘画的基本语言的审美性质；③画面的内在韵律，也就是动感的捕捉是绘画美的灵魂。
60、简述音乐艺术的审美特征。
答：①音乐所依赖的媒介就是声音，声音自身的质量决定着音乐的美感，同时，声音间的组合关系，各种音色的组合关系也决定着音乐的美；②各种声音按照一定的节奏、旋律、和声等规范组合起来，能够塑造出一定的音乐形象，表达一定的思想感情；③对音乐作品的欣赏必须以表演者的演奏为中介；④音乐是完全动态的艺术。
61、简述戏剧艺术的审美特征。
答：①首先是媒介自身的审美作用；②表现的是一个动态的事件，其结构自然也就具有相应的特点，要求完整与统一。
62、论述艺术接受的主体性。
答：①艺术意象的再创造是审美对象在被接受过程中的现实生成，是接受者调动主体性因素进行的意象创造；②艺术接受的主体性，源于接受者不同的“期待视界”，即与接受者的接受眼光和特定审美文化心理结构有关；③艺术品形式的结构，是一个特殊的结构，其中有许多空白和不确定点，给接受主体的参与以自由；④不但文学作品，一切艺术品都只提供较模糊、概括的总体框架，需要接受者主体性的参与。
63、论述艺术品鉴赏过程的三个阶段及特征。
答：①观—是接受者透过艺术的形式符号在直观层次上初步感受和重建意象，是不完整和粗浅的鉴赏；②品—是接受者根据各自的审美文化心理结构和经验，凝神观照，发挥想象力，细致地体味作品，充实、丰富、发展意象，使意象更具接受者的个性。可以说“品”就是意象的重建过程。接受主体进一步把握了形式符号的深层意义，在把握过程中把意象建立起来，更丰富、更完美；③悟—是主体对艺术品的意象品鉴渐入佳境后，终于升华为对意境的感悟。接受主体完全进入意象世界，主体不再执著于符号的形式，而直接与艺术意象合而为一，进而直接领悟其意味。所谓“得意而忘象，得象而忘意”，这就是悟，也就是艺术接受的最高阶段和理想境界。
64、简述中国美育思想的基本线索。
答：中国古代的美育思想：①上古时期的美育思想是以乐感化。孔子把乐视为安邦治国的重要措施，美育的目的是通过乐化达到天人和谐；②朱熹认为美育实现目标的过程，是“消融渣滓”的过程，以此实现天人和人际间的和谐，提升人格，完善人生；③李渔指出戏曲的情节、文词都应有益于道德教化，三美俱擅……
中国现代的美育思想：①蔡元培率先引入“美学”一词，他强调了美育的目的在于陶养感情，倡导“以美育代宗教”；②梁启超是中国近代美育思想的另一位先驱者，他认为美育是一种“趣味教育”，有着独立存在的价值；③王国维则把西方的美育理论较为全面地介绍到中国来，将美育与德、智、体三育并称“四育” 。
65、简述西方主要美学家的美育观。
答：①西方从古希腊开始就重视美育问题，真正明确谈到审美教育的是柏拉图，他认识艺术特别是音乐对人的教育作用；②亚里士多德认为悲剧有一种净化或陶冶作用，这就是审美教育作用；③罗马的贺拉斯提出了著名的“寓教于乐”的原则，强调美育与道德教育的统一；④席勒发表《美育书简》，第一次明确提出“审美教育”的概念，并对美育的性质、特征和社会作用作了系统的阐述，是第一部系统的美育著作；⑤马克思从培养全面发展的人为终极目的确立美育的基本任务，认为“艺术对象创造出懂得艺术和能够欣赏美的大众” 。
66、简述审美教育与人格教育、情感教育、艺术教育的主要区别。
答：人格教育、情感教育、艺术教育是美育内涵的三种主要观点，即认为美育是人格教育、美育是情感教育、美育是艺术教育。而实际上美育与其有明显的区别：①首先，人格教育主要还是一种道德教育，它与美育相关，但不能等同。把美育看成是人格教育也只是指出了美育的间接效应和终极指向，而未能揭示出美育独有的价值内涵；②其次，把美育界定为情感教育也只是把握了美育的中介形式及其直接效应，却未能揭示出美育独有的价值目标；③再次，审美教育和艺术教育虽然都离不开艺术，但它们的目的和方法却不同。美育是艺术教育的规定只是揭示了美育的主要形式，但它看不到除艺术外，还有很多自然审美现象和社会审美现象可以充当审美教育的教材和媒介。艺术教育要培养艺术人才，而美感教育则是要达到全面培养人的目的。
67、简析历史上对美育的内涵的几种主要看法。
答：对于美育的内涵，历史上无数美学家和教育家都试图从各自的角度做出界定，归纳起来主要有三种：美育是人格教育、美育是情感教育、美育是艺术教育。①认为美育是人格教育，事实上是把美和善混为一谈；②认为美育是情感教育，体现了近代二元分立的思维特点，美学的独立情感得到了前所未有的重视；③把美育等同于艺术教育也是对美育内涵的一种误解。④而现在，人们认为美育是以艺术和各种美的形态作为具体的媒介手段，通过审美活动展示审美对象丰富的价值意味，直接作用于受教者的情感世界，从而潜移默化地塑造和优化人的心理结构、铸造完美人生、提升人生境界的一种有组织、有目的的定向教育方式。
68、美育与德育的区别是什么？
答：①德育是以锤炼人的道德品质、培养人的求善意志为指归；而美育通过对人内在情感的直接感染，调动人的各种心理能力并使之和谐运动，从而潜移默化地实现对人的塑造，以不断提升人的境界；②美育是建立在自觉自愿、潜移默化的基础上的，而德育带有强制性；③美育是由内而外，从人的情感的角度去打动人；而德育是从外在形态，对人们进行道德规范，通过理智的约束，是一种制止的方法。
69、怎样理解审美教育的最高目的就是造就审美的人？
答：①审美境界是人生境界中比较高层次的一种，是一种特殊的、自由的人生境界；②美育根本上就是一种特殊的人生境界的教育。具体说来，美育是要使人精神上能够获得解放与自由，把人从自然物质世界的束缚中解脱出来，上升到精神的理想境界。
因此，审美教育的最高目的是要造就审美的人。所谓审美的人，就是具备敏锐的审美能力、良好的审美趣味、健康的人生态度、完善的心理结构、丰富的个性魅力，并具有自由的超越精神和炽热的理想追求的人。
70、简述美育与德育、智育、体育之间的关系。
答：①联系：审美教育与德育、智育、体育同属于教育活动必不可少的重要内容，它们既各自独立，又相互渗透，是一种相互推动的辨证关系；②区别：智育是以传授科学文化知识、培养人的求真能力为目的；德育是以锤炼人的道德品质，培养人的求善意志为指归；体育是以强化人的体能，培养人的健壮体魄为宗旨；而美育是通过对人内在情感的直接感染，调动起人的各种心理能力并使之和谐运动，从而潜移默化地实现对人的塑造，以不断提升人的精神境界。
71、简述审美与人生境界的关系（审美教育对于人生境界的提升作用）。
答：①境界是心灵的一种存在状态，人们在心灵上有不同样式的生存状态，在社会实践中生成不同层次的人生境界；②审美境界是人生境界中比较高层次的一种，是一种特殊的、自由的人生境界。通过审美，使主体的精神得到升华的同时也得到重组和塑造，他将以新的姿态重新返回现实并改造现实。
因此，审美根本上就是一种特殊的人生境界的教育。审美教育使人生境界提升到一种自由的人生境界，而在审美活动中生成的美正是这种自由人生境界的感性显现。
72、为什么说美育是一种化育？
答：中国古人认为，美育是一种潜移默化的“化育”，是通过怡情养性的途径，使主体在感化中，经过审美，深入“人心”，从而陶冶主体的精神世界，完善自我的人格。虽有儒、道、禅之别，但其美育思想在这一点却是一致的。①孔子以“六艺”教学生，其中“乐”就是专门的美育课程。乐的美育方式是感化，即在个体的感性欲求得到满足的同时符合于社会文化心理。乐化的目的是和谐，以此进入一种顺应自然、与天地同体的和谐境界；②道家追求的理想境界是天人合一，要求达到更高层次的人与自然的和谐。主张“至和”，静心虚静，达到独与天地精神往来。艺术的创造和欣赏过程就是主体涤荡心灵，完善自我，合天地之道，达人际之和的过程。由技入道的庖丁解牛，本身就是一种审美观照和享受；③禅宗更注重于自身的修养，注重个体的自我领悟，从美育的角度说便是“自己感化自己”，从而使自己跃身大化，与宇宙融为一体，显示出一种异常恬淡、宁静的心境，在不动声色中陶冶了人生，在审美中成就了人生。在具体方式上，禅宗注重渐修顿悟，就是始终不脱离感性，而又从具体感性中获得人格的飞跃。这种飞跃，这种个性解放，是浸泡在感性中不知不觉、潜移默化的结果。
中国的儒、道、禅在美育思想上都采用了“化育”的方式。可见，美育对人性情的陶冶、情感的净化不是一朝一夕可以完成的，是一个潜移默化的过程。通过不断地熏陶和浸染，shenmzhut会在不知不觉中受到影响，发生着微小的变化，渐渐形成一种心理结构，持久地影响着精神生活。美育正是以这种感性的方式，来陶冶人的精神，转移人的气质。
论述题复习资料
1、结合具体事例，论述审美关系。
答：审美关系从属于人与世界的存在论关系，是人与世界的复杂多样关系中的一种特殊的精神性关系，是人对世界借助感性形式建构起来的自由的情感体验关系。
①审美关系不是理智关系，而是情感体验关系。它通过对对象外观“形式的关照，返回到主体内心，以自己的内在生命的投入来领悟和体验人与世界的存在意义，进而达到一种物我两忘”圆融一体的境界。比如李白的诗{独坐敬亭山}：“众鸟高飞?。?孤云独去闲。相看两不厌，只有敬亭山。”在诗中，李白在一种孤独中与敬亭山相看，并且互相都不觉得厌倦。在这种相看中，李白达到了一种物我两忘的境地，分不清何者为我，何者为物。
②审美关系是通过感性形式建立起来的，是一种感性直观的关系，比如王维曾写道：“大漠孤烟直，长河落日圆”，诗中有画，是一种对大自然的直观的把握。
③审美关系是人与世界的自由关系。比如李白在喝酒时，常常招呼月亮来同饮。他写道“举杯邀明月，对影成三人，”在诗中，人与月亮之间的隔阂被打破了，人与世界形成一种很自由的，超越一切限制的审美关系。
④审美关系在逻辑上先于主，客体存在，而不是审美主，客体逻辑上先于审美关系而存在。比如我们只能在“采菊东篱下，悠然现南山”的审美关系中，才能把陶渊明定为审美主体，把南山定为审美客体。
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4、根雕艺术品的意义与价值是什么?根雕有着悠久的历史。在中国的传统审美观里，自古以来就崇尚自然并以自然为师，自然界蕴藏着魅力无穷的美，根雕艺术，正是用奇根异木创造出来的艺术，是自然美学与技术美学高度结合的综合反映。它的美是天人合一、与天同创的美，是天然造化与人为加工“奇”“巧”结合的美。根生于泥土当中，大地孕育、造化了它的自然质朴的美。陵川根雕之美妙，在于它的自然形态，似人，似花，似果。在于它的自然结构，或险奇、或嶙峋，或层云叠翠、或纵横交错、或粗犷突兀、或光滑圆润；在于它的色泽，黄色、白色、黑色、灰白色；在于它的纹理，像流云、像湍流、像缕缕青丝、像细雨飘落。
“自然往往是最平凡也是最难达到的东西”，根雕艺术之美的极致也正在于自然的美。在根雕艺术创作中若不能更多保留和顺应根的自然美，那么根雕艺术独特的魅力必然也会大为逊色。根雕，是以树根、树身、树瘤等位置的自生形态及畸变形态为艺术创作对象，通过构思立意、艺术加工及工艺处理，创作出人物、动物、器物等艺术形象作品。在根雕大师的眼里、手里，这些以另一种生命形态呈现出来的物我合一、人天同构，展现得淋漓尽致，光华夺目。
任何艺术都有它的创作规律，根雕艺术的创作规律就是注重自然，顺其自然，首先要善于寻找和发现具有自然美的根材，然后在加工制作上的整个过程中，依根的自然形态、自然结构、自然色泽、自然纹理、传自然之神韵，抒作者之情怀，用一切可能调动的加工手段，让根的自然美得到最大限度的显现。根雕的制作一般可分脱脂处理、去皮清洗、脱水干燥、定型、精加工、配淬、着色上漆、命名等八个步骤，以集自然之美、塑造化之妙的形式和风格创造出魅力无穷的艺术氛围，在创作中巧藉自然，妙施雕琢，以多种多样的表现形式、技法营造神奇的艺术境界。著名美学家王朝闻先生议根雕艺术时指出：千姿百态的树根具有旺盛的生命力。尊重原材料的富裕变化的形态和有趣特色的前提下，再经过顺应自然而又显示了创造加工而形成的作品，具备了非人为的、更为自由的创造出来的一种区别于一般雕塑具备的，更足以显示原材料没的特性和自然、质朴的审美价值。
作为一种三维艺术，根雕突破了空间约束，将“三分人工，七分天成”的美立体化地呈现出来，将大自然的鬼斧神工展现到了人们的眼前，对视觉冲击更强，让人们更加贴切的感受到自然的气息。根艺作品力求简约与神韵的结合，流溢浓厚的人文底蕴，折射深邃的哲理光华，妙趣天成，立意深远，于无声处显神奇，具有丰富而清新的艺术表现力的感染力。
美化人生！陶冶情操
根雕艺术品的意义是让人看到自然美；价值是可以出售。

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5、价值一百万的牛年限量腕表,凭什么? 手表，对于男人和女人而言，有着不同的意义。一块好的手表，能彰显出男人的身份品味，对女人来说，戴手表则是精致与优雅的象征。
2021牛年，各大腕表品牌为了致敬中国传统牛年，纷纷推出了牛年限定腕表。
其中，挑选了5大高级腕表品牌的牛年限定，与大家一起细细品味……（内含百万名表，别错过了?。。。?
Chopard 萧邦
提起钟表，就必定绕不开瑞士，瑞士制造的腕表占领了世界40%的市场。
24岁的 Louis-UlyseeChopard 在1860年创立了一个以自己名字命名的钟表制作厂L.U.C ，也就是现在我们所知道的Chopard（萧邦），已经拥有了100多年的历史。
L.U.CXP URUSHI YEAR OF THE OX
售价： 186000丨限定88枚
从2003年龙年开始， Chopard 的L.U.C系列每年都会推出一款中国生肖主题高级腕表。
2021年，Chopard 带来了这一款莳绘金牛耕种腕表，表盘上的图案依旧是邀请到日本「山田平安堂」（Yamada Heinado）工坊的漆艺大师小泉三教手工制作。
「莳绘」（Urushi）是历史悠久的漆艺技法中的一种，被誉为是撒出的画。
这项技艺上色的原料需要从漆树的树脂中先萃取生漆，之后还会混入金、银、色粉、珍珠母贝等珍稀材料才能制出缤纷的色彩，而且只能手工绘制。
*制作过程
整个表镶嵌有29颗宝石，表壳、表冠和表扣都采用了18K玫瑰金打造而成，机芯厚度3.3mm，腕表整体厚度仅6.8mm 。
售价： 286000丨限定88枚
接下来要介绍的这一款「十二时辰」，是点睇超喜欢的一款腕表，很有设计感，虽说不是牛年限定款，但是带有了中国十二生肖元素，自然就少不了牛在其中。
「十二时辰」最吸引人的地方，是它将中国传统的两个与时间有关的元素——十二生肖与十二时辰结合在一起。
表盘24小时转盘会旋转一圈，每个时辰相当于2小时，12点是扇形的时辰显示窗口，十二只可爱的生肖动物会随着时间的到来，一只只「跑」到我们眼前，创意十足。
光有创意可还不够，质感也是 Chopard 自创立以来一直保持与追求的。
采用莳绘技艺的表盘图案呈现出如同砂金石一般 blingbling 的质感，与黑色鳄鱼皮表带和18K玫瑰金的表壳相互配合，从内到外的高级质感便不言而喻了。
Piaget 伯爵
Piaget（伯爵）是一个来自瑞士的高阶钟表珠宝品牌，创立于1874年，最擅长的便是制造超薄腕表。
在刚落幕不久的2020年 GrandPrix d’Horlogerie de Geneve（GPHG，日内瓦高级钟表赏）评选中， Piaget Altiplano Ultimate Concept 一举夺得了最受瞩目的「Aiguilled’Or」年度最佳腕表的奖项。
这是目前腕表史上最纤薄的机械腕表，厚度仅2mm ，将超薄演绎到了极致。
ALTIPLANO系列牛年生肖腕表
售价： 545000丨限量38枚
自2012年以来，Piaget 每逢中国农历新年都会推出一款生肖主题的腕表共同庆祝，选择的还是它家主打的 Altiplano 系列。
公牛图案经过了金丝勾勒形态、珐琅釉上色、超高温反复烧制、打磨、抛光等工序之后，才有了这如同水墨画般的效果与宝石般坚硬的质感。
表圈上镶嵌有0.71克拉，共78枚明亮式切割美钻，象征着高级华贵的品质。
Vacheron Constantin 江诗丹顿
江诗丹顿（Vacheron Constantin）隶属于瑞士历峰集团 (Richemont Group) 旗下， 1755年创办于瑞士日内瓦，是世界上历史最悠久的制表商。
前段时间又在上海「钟表与奇迹WATCHES & WONDERS」，也就是很多人所熟知的日内瓦高级钟表展（SIHH）上引起一阵热烈的讨论。
因为它所推出的这款全世界只有一款，标价1725万的Les Cabinotiers天文报时「乐之颂」腕表，还被赠与了「表王」的称号。
售价： 1020000丨共限量12枚
今年江诗丹顿推出的牛年限定腕表，有铂金和玫瑰金两种颜色，每款都是限量发行12枚。
表盘的背景是枝叶图案，位居中间的是一只大金牛，采用了金雕工艺制作的牛图案，将牛毛的细节展现得淋漓尽致。
金牛与枝叶，一深一浅，两种不同层次的浮雕组合设计，给人带来一种枝叶漂浮在表盘的视觉效果。
相比于之前的腕表， Vacheron Constantin 这一次选择丢掉了传统的罗马数字指针的组合。
它在表盘上设计了四个扇形窗口用来读取信息，分别代表的是小时、分钟、星期和日期，是融合了美感与趣味的一次尝试。
Blancpain 宝珀
创立于1735年的Blancpain（宝珀），是世界上最古老的钟表品牌，也是市面上唯一可以使用「MANUFACTURE DE HAUTE HORLOGERIE」身份印记的钟表品牌。
Manufacture 代表着手工制作，对 Blancpain 来说，从设计、生产、组装机芯一直坚持着自主性，是它得以发展近三个世纪的重要因素。
「多变」从来都是Blancpain的风格，它虽位于大洋的彼岸，却对中国文化爱得深沉，并从中国传世经典中汲取灵感，进行创作。
「四大美人」高级定制系列腕表，将贵妃醉酒、貂蝉望月、昭君出塞以及西施浣纱的美姿美态，刻画在四枚孤品腕表上。
中华年历「福牛」腕表
售价： 489500丨限量50枚
在热爱 Blancpain 的人看来， Blancpain 更像是一种艺术品的存在，因为它一直都在坚持自己的一套美学艺术标准。
2012年，Blancpain 推出了史上第一款具备中国传统历法显示功能的腕表。
今年1月份新推出的中华年历腕表，依旧是 Villeret 系列标志性的双圆表圈，在表盘十二点的位置上，设计有一只牛的剪影图案，与即将到来的牛年相互呼应。
但最吸引人的地方，是三个显示着不同计时元素功能的副表盘，这也是 Blancpain 中华年历腕表的独特所在。
位于最上方的是用以计算十二地支的时辰盘，左侧显示的是农历月份、日期和闰月，右侧的则是显示五行元素和十天干的副表盘。
另外，还有镂空柳叶针、立体收腰罗马刻度、蛇形蓝钢指针、月相表情等元素，都是深深镌刻在 Blancpain 品牌身上的印记。
腕表背面，是雕刻的「福牛」图案和「辛丑」的纪念铭文，以及那一个一个支撑着指针转动的齿轮，真的让人不得不感叹 Blancpain 的高超制表技艺。
HARRYWINSTON 海瑞·温斯顿
「做珠宝的品牌做腕表都不会差，但是反过来，就不一定了」，这是腕表珠宝圈流行过的一句话，仿佛说的就是 HARRY WINSTON 。
创立于1932年的 HARRY WINSTON 是做高级珠宝出身的，有着「King of Diamonds」和「明星珠宝商」的美誉，伊莉莎白女王、温莎女公爵、好莱坞影星等都是它的粉丝；
创始人海瑞·温斯顿先生也被称作「钻石之王」，据说他拥有着珠宝史上有近三分之一的名钻。
从制作高级珠宝到高级腕表， HARRY WINSTON 的发展一直都在神坛上，让多少品牌可望而不可及。
Premier Chinese New Year Ox Automatic
售价：未知丨限量发售8枚
HARRY WINSTON 推出的 Premier 系列牛年限量腕表，钻石金牛图案与喜庆红色的搭配设计，将中国传统春节演绎得红红火火，让人眼前一亮。
表盘设计采用了会随着光线变化而变幻喜庆的红色珍珠母贝，另外还镶嵌了180颗钻石。
【jwstudio手表：价值与美学并存的艺术品,文艺美学基本理论·劳动产品与艺术产品】其中，表盘12点钟的位置镶嵌有一颗耀眼夺目的祖母绿切工型钻石，传承了HARRY WINSTON 一贯「壕」的特点。