疑问之柱 ， 玫瑰色的雾 ， 谢阁兰的“碑”
“纺织品在我们的社会中被降级为次要角色 ， 只具有功能性或装饰性 。 我想赋予它另一种地位 ， 展示一个艺术家能用这些惊人的材料做些什么 。 ”
展厅内 ， 圆柱形的“彩虹瀑布”自天顶“倾泻”而下 ， 美国艺术家希拉·希克斯(Sheila Hicks)以编织绳索创作的《疑问之柱》（2016）以压倒性规模形成一组抽象雕塑 ， 质疑传统手工与当代艺术之间的界限 。 当她将“疑问之柱”置于全球各地不同场域时 ， 又犀利地抛出关于阶级、种族、性别等问题 。 诚如策展人马塞尔所言 ， “抽象艺术 ， 原被看作一种本质上与政治无关的艺术语言 ， 事实上却往往置身于这些争论的不远处 。 ”
自1960年代初开始 ， 一些东欧和美国的艺术家致力于创作体量巨大的“新壁挂” ， 这些作品摆脱传统的装饰功用 ， 积极介入并占领了展陈空间 。 1969年 ， 纽约现代艺术博物馆举办名为“壁挂”的展览 ， 这种曾因过于女性化、和日常生活关系密切而被忽视的材料 ， 开始确立其在艺术界的身份 。
除了希克斯编织的彩色巨柱 ， 此次展览的“纤维艺术”单元还呈现了东欧艺术家玛格达莱娜·阿巴卡诺维奇（Magdalena Abakanowicz）和雅戈达·布伊克（Jogoda Bui?）的代表作 。 波兰艺术家阿巴卡诺维奇以手工染色剑麻制成大型三维雕塑《阿巴坎大黑》 ， 当年这件标志性作品首次亮相时 ， 评论家用她的姓氏为作品冠上了标题；布伊克是南斯拉夫第一位女性舞台设计师 。 借鉴巴尔干的传统技艺 ， 她创造出注重编织结构、捕捉触觉记忆的抽象雕塑 ， 她的作品《夜的碎片》（1976）像是由羊毛、剑麻和金属线拼接缝补的一片幽深布景 。
展览临近尾声 ， 越来越多女性艺术家的作品试图“越出墙外” 。 日裔巴西艺术家莉迪亚·奥村（Lydia Okumura）的实践见证了她对空间想象力的探索 ， 她创作了著名的“情境”系列 ， 这些建筑装置由排列在墙壁和地板上的彩色几何形状组成 ， 由绘制的石墨线或投射在空间中的合成线连接起来 。 现场展示的《无题III》是奥村1981年首次在哥伦比亚麦德林双年展上亮相的作品 ， 菱形或三角的红、黄、蓝色块给人以进入墙体深处的错觉 ， 或绘制或真实的黑线对空间进行划分 ， 创造出虚拟的体积 ， 她邀请观众在作品周围自由移动 ， 在不同视角下探索作品二维或三维的形态 。
比利时裔英国艺术家安·维罗妮卡·詹森斯（Ann Veronica Janssens）的创作同样挑战观众对空间的感知 。 1997年 ， 她开始创作沉浸式装置 ， 运用人造雾来捕捉光在介质中的形态 ， 打造近乎虚无却似可触的光雕塑 。
作品《玫瑰》（2007）是詹森斯在封闭、黑暗、寂静的空间中构思而成的灯光装置 ， 她将7盏射灯围成圆圈 ， 7道光束被悬浮的薄雾捕捉 ， 创造出一个触不可及的七芒星结构 ， 随着观众移动或视角变化 ， 光束打造的这颗七芒星时隐时现 。
本文图片
▲安·维罗妮卡·詹森斯 《玫瑰》 2007年 ?蓬皮杜中心 ， 巴黎 ， 法国国家现代艺术博物馆-工业设计中心
走出这片玫瑰雾氤氲的幻梦 ， 左侧展墙上立着一排纯粹而沉静的抽象画作《石碑》 ， 这些近三米高的灰蓝色作品堪称法国艺术家热娜维芙·阿斯（Geneviève Asse）的巅峰之作 。
阿斯1940年至1942年就读于国立装饰艺术学院 。 在夏尔丹、塞尚和布拉克作品的影响下 ， 阿斯开始画单色静物 。 20世纪60年代初 ， 阿斯逐渐远离静物、裸体和风景 ， 试图用画笔捕捉气流的振动 ， 呈现她对空间和光线的抽象探索 。 起初 ， 只是一片素朴的白 ， 接着蓝色（这将成为她的标志性颜色）逐渐占据整个画面 ， 童年时的海面依稀浮现 ， 中间是一道垂直的“门缝” ， 淡蓝、青灰、苍白……这条缝隙仿佛在寻找无限的意象中消失 ， 另一个澄明的空间被打开……
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